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 手塚治虫の言を借りるまでもなく、アニメーションの本質はメタモルフォゼ(変容)にあると考えている自分にとって(だから『マインド・ゲーム』とか『パプリカ』とか大好きだ)、あえてアニメーションらしい映像表現を避けている原恵一監督の作品は、本来であればマイナスの評価を下してしまいそうになる。それでもこの監督には、『クレしん』に関しても『河童のクゥ』に関しても、そしてやはりこの『カラフル』に関しても、”やられた”と思ってしまう。緻密な映像と細かな演出をありとあらゆるところに配置し、伏線を重ねながら最後には確実に琴線に触れてくる。疑いようも無く傑作だ。

 森絵都の10年前の同名小説を映画化した『カラフル』。前世で罪を犯してしまった、しかしそれを覚えていない<ぼく>はガイド役のプラプラに導かれ、自殺した少年・小林真の体を借りて、自分の罪を思い出すための”修行”をすることになる。人の良さそうな父や母を見て<ぼく>は「なぜ小林真は自殺したのか」と怒りを表すが、プラプラに自殺の原因を教えられるやいなや、周囲を、特に不倫した母親を汚らわしい目で見るようになる。<ぼく>は自分の罪を思い出せるのだろうか?

 原作では<ぼく>がその罪に気付いた瞬間が誰にでも分かるように描写されていたと思うが、映画版では意識的にそれを避けているようであり、一体いつ答えにたどり着いていたか、「ここかな?」と感じ取れるシーンはあってもやはり明確ではない。ターニングポイントを明確にしたほうが劇的な演出もできるはずなのに何故そうしなかったのだろう?それは、売春をしていた同級生のひろかに真が「人間はいろんな色があってもいい」(原作にはない台詞だ)と語りかけるシーンがヒントとなっている。

 おそらく監督は、<ぼく>が罪を思い出した時期を曖昧にしてみせることによって、真の「いろんな色があってもいい」という台詞が唐突に出てきたものではなく、いつの間にか一体化した<ぼく>と真の、ある意味で2つの人格があったからこそそういう考えに至ることができた、ということを表現したかったのではないか。<ぼく>と真に対して能動的な発見を促したかったのではないか。

 また、この「いろんな色があってもいい」と語りかけるシーンは、幻想的であるともいえる。それはひろかとの会話が終わった瞬間、いきなりひろかは消えてしまい、最初からその場には真しかいなかったようなカットが挿入されるからだ。自分の犯した罪をひろかに映し出し、重ねる、言わば鏡のような役目をひろかのイメージが担ったのではないかと思われる。涙を床に落ちる絵の具の黒と重ねた演出もここでは効果的だ。

 この『カラフル』は実写さながらに描き込まれた美しい映像のほか、やはり特徴的なのは、繰り返し食事のシーンが流れることだろう。とにかく<ぼく>は、母親の料理を食べないことによって母親を拒絶しようとする。演出としてはそれで十分なのだが、実は数々の食事の風景には、<ぼく>の知らない家族たちの、ある思いが秘められるということが最後に分かる。<ぼく>が流していた食事でも、映像的にはただ流れていたわけではない。鍋料理を口にかきこむ<ぼく>を見つめる、母親の視線も実に良い。

 映画のテーマはもとより、実に細部まで気の行き届いた、丁寧な丁寧な作品であると思う。注意すれば注意するほどいろんなものが見えてくるのではないか。いま考えれば、プラプラだけ色調が低いのにもちゃんと理由があったのだ。まさにこの映画自体が劇中で訴えているような”カラフル”を体現している。監督の思いを見た。



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 主人公の佐和子(満島ひかり)は上京して5年目、5つ目の職場ではいかにも旧時代的な会社に勤め、嫌らしい上司と上滑りな世間話しかしない同僚に板ばさみにされ、夢も希望もなく何事も「まぁしょうがない」と言い訳をしながら毎日を過ごしている。そんななか、父親が病に倒れたのを期に、一人で勝手に人生設計したダメ彼氏と一緒に実家へ帰って父親のしじみ工場を継ぐことになる――というあらすじ。

 始まって1分で「これは良い映画だ」と直感できる映画があるが、この『川の底からこんにちは』はまさにそれだ。かび臭そうな病室のベッドに死んだ魚のような目をしながら横たわり、女医から腸内洗浄について説明を受ける佐和子。それを遮って「もう3回やりましたから」。しょっちゅう便が詰まっているようにどうやら人生もドン詰まりであるらしいことが、この冒頭の短いシーンですぐ分かる。

 冒頭のような、ゆるい笑いを誘う雰囲気とゆるい台詞、平凡ながらキャラ立ちした各登場人物、そして過激な社歌はもちろんのこと、この映画には好きだなと感じられるところがいくつもある。たとえば撮影だろう。

 この監督の作品は初めて見るのでこれが監督の常套手段かどうかは分からないものの、本作では佐和子と彼氏が会話(口ゲンカ含む)するシーンはしばしばフルショット(+固定カメラ)で撮られ、どちらかの表情がアップで映し出されることは皆無だ。これは2人を平等の立場に置きたいという監督の意志が働いているからに他ならない。つまり、なんか2人ともいろいろ言っているけど、2人ともダメ人間でしょ?同じ穴のムジナでしょ?ってことなのだが(だからといって諦観や軽蔑を表現しているわけではないだろう)、もはや立場的には明らかに上である佐和子が男に対してガンガン喚くラストシーンにおいても、しかしその表情を正面から捉えるのではなくやはり固定カメラのフルショットを貫いているのは、また同じ土俵に立てる余地がある=やり直せるという、可能性ある未来を提示したかったからかもしれない。

 また、この映画において自分が最も”急所”を突かれたのは、家族愛や佐和子の開き直りではなく(もちろんそれも含まれるが)、ボットン便所の”中身”を肥やしにしていた畑に一輪の花が咲き、お花畑のようになり、そして最後には(何故か)西瓜として”実”を結んだシーンかもしれない。

 自分がたびたび男に捨てられる理由として、”西瓜のようなおっぱいじゃないから”、と信じていた佐和子。”西瓜のようなおっぱい”は得られなかったにせよ、ここで登場する西瓜は、いずれにしても佐和子の希望のメタファーに違いない。かつて自分を悩ませていたはずの糞便を積み重ねることによって生まれた西瓜。シュールなはずの演出が、「頑張るしかない」という佐和子の一言を見事に表現・応援しているとともに、希望のメタファーであるその西瓜をさらに皆で分け合うことによって、やはり可能性ある未来を提示しているように思える。

 自分のようなダメ人間が見るとさらに心に沁みる映画だろう。石井裕也監督は当時無名にも関わらず海外の映画祭で自主制作映画の特集を組まれるほど評価されていたというが、確かにこの初めての商業映画『川の底からこんにちは』を見ると、それもむべなるかな。思わぬ拾い物だった。



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 ガンに侵され余命幾ばくもない父親に、昔の恋人探しを頼まれた息子のサトシ(塚本高史)。ほとんど情報がない状態で探している中、彼の目の前に現れたのは22歳の父親とその恋人だった――と、もとは画家志望だった父親の描いたスケッチブックが触媒となって過去へとタイムスリップするというSF的ギミックが用いられており、大嫌いだった父親の過去を知ることによりサトシは父親という人間を序々に理解し、さらには自分の進むべく道を発見するのだが、母と娘の愛情を描く作品が多いなか、こういった父と息子の愛情とも友情ともつかない父子の繋がりがテーマとなっているものはわりと珍しいので嬉しいところ。自らの父親にあまり良い印象を持っていない男性こそ見て欲しい映画かもしれない。

 冒頭、元・恋人の捜索を依頼されたサトシが「期限は?」と父親に質問して、父親が「1ヶ月から3ヶ月」と答えるシーンがあるが、それは同時に父親の余命を表している。ただ捜索期限を聞いただけなのに結果として余命を聞くことになってしまったサトシの、その瞬間の「しまった」という表情と「もうそれだけしか時間が残されていないのか」という困惑したふたつの表情が見て取れる、本作でも秀逸なシーンのひとつだ。自分はもうこのシーンで、ああこの映画、安心して観られると思った。

 22歳の父親に会い、友人として会話を重ねることで自分がそれまで抱いてた父親のイメージが少しずつ変わり、親しみを持つようになってくる。だがしかし、自分には到底信じられないような行動を父親が取ろうとすれば「思ったとおりのやつだった!」と憤慨し、罵倒する。タカシの「あいつ実はいいやつかも」という期待と「やっぱり悪いやつだ」という失望、それらの心情の起伏を描き観客にも共感を抱かせるが、どうも安定しないのは、たとえ肉親であっても人が人を理解することは難しいからだろう。それでも、多くは会話によって、人は歩み寄れるものだというストレートなメッセージが集約されるラストシーンには肺腑を衝かれた。話せば分かるなんてうそだけれど、話さなくちゃ分からないこともたくさんある。「お前は大丈夫だよ」と言ってくれる人間の有難さと偉大さを思う。

 全ての素材がほとんど無駄なく使われているところを見ると、監督はまた相当な”料理人”と言えるかもしれない。それは「ナイキ」の靴に象徴され、前半、22歳の父親がサトシの履いているナイキの靴に「これはニケって読むのか?」などと突っ込むシーンから父親がこの靴に興味を持っているということを観客に認識させておき、後半、その22歳の父親がちらりと目をやったナイキの靴を再び「ニケ」と呼ばせるが、しかしそこにおいては観客の思考の斜め上を行くようにその「ニケ」に「サモトラケのニケ」の意味を持たせ、彼の恋人の女神性を会話の流れの中に無理なく取り入れると同時に、その「勝利の女神」がもたらす未来を暗示させることに成功している。サトシにとってそれは全く勝利ではなかったかもしれないが、父親にとっては、皮肉にも、というべきか、やはり勝利の女神だったのだろう。ナイキのロゴマークが金色となっているのもまたニクイ演出。っつーかナイキごときに深読みしている自分っていったい?

 なるたけ説明的なせりふを避け、BGMも控えめの静かな映画。残念ながらあまりヒットしなかったようだけれど、芸能事務所が絡んでいるわりには相当優秀な作り。映画好きの人には見て欲しい一本だ。ぜひ。

http://www.yesterdays-movie.com/


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テーマ:映画感想
ジャンル:映画
 『BANDAGE』、この映画を見て最初に思ったことは、「やってくれたな小林武史」。小林武史と岩井俊二がプロデュースした『ハルフウェイ』のように、彼らが関わった作品の例に漏れず本来ならミニシアターでひっそりと公開されていいような映画でも、ジャニーズの赤西仁が主役を務めたおかげか全国のシネコンで広く公開されることになったのは嬉しい限りなのだけれど、でもそれ(赤西主演)が良かったどうかは分からない、というのも、赤西目当ての女子高生たちに代表される、若い観客が求めてるような内容の映画とは恐らく大きく異なるからだ。だから「やってくれたな小林武史」と”称賛”のことばを贈ったのだが、ジャニーズ主演という情報だけで敬遠している映画ファンも少なからずいるわけで、それはそれで悲しい。本作のキーワードの1つは「すれ違い」。客と監督の間でも「すれ違い」が生じている感はどうしても否めない。それはさておき。

 「音楽はそんな簡単に切ったり貼ったりできるもんじゃねぇんだよ」などの台詞は、音楽業界に長く身を置くコバタケが監督しているからこそなのか、妙に説得力があるように聞こえた。その台詞に至るまでの描写も面白く、ブレイクのきっかけとなるナツ(赤西)の『元気』はまず最初にアサコ(北乃きい)が聴かされることになるのだが、車内で演奏している様子を外からカメラで捉えているため、観客には聴こえないという演出がなされており、この時点でどのような曲かは分からない。分からないまま、マネージャーの「もっとノリが良く」「いまふうっぽく」という指示で次々とアレンジが加えられる。本来とは異なる曲が作られていく(そしてそれが必ずしも正解ではない)このあたり、コバタケ自身の過去の経験が反映されているのかもしれない。

 結局出来上がった楽曲は、レコーディングの際にアサコが「元の曲と全然変わっちゃいましたね」と感想を漏らしたことから、原曲とはかなりかけ離れているらしいということが観客に分かる。初めて『元気』を聴いたときは涙を流していたのに、今度はどこかぎこちない表情をしているアサコ。対してアレンジされた曲に対して特に意見もしないナツ。冒頭から幾度となく繰り返されるふたりの「すれ違い」をここにも見てとれるのだが、その「すれ違い」が、後半のアサコの本当の感情が吐露される長回しのシーンにおいて決定的に印象付けられる。

 部屋を出て行った直後、扉のすぐ横で腰を下ろして顔を膝に埋めるアサコの姿をカメラが捉えながら、切り替えして再びカメラは部屋に戻り、ナツは蚊の泣くような声で『元気』を歌う。ここで初めて、おそらくこれが最初にアサコに聴かせた、手が加えてられいない曲だなということが分かる。カメラは徐々に引きながら今度は部屋の外を映そうとするが、観客の想像通り(いや期待を裏切るように?)、もうそこにはアサコはいない。何の気配もなく去っていったアサコ。苦い。

 『BANDAGE』は青春映画、恋愛映画、音楽映画、いずれのジャンルからも見ることは可能だし、いずれのジャンルとしても成功を収めている思うのだけれど、自分は、アサコというどこにでもいそうな女性の成長物語として見ていた。結果的に自分を苦しめることになってしまった”音楽”(マネージャーが”昔はもっと純粋に音楽が好きだったのに”と話すくだりは、あるいはコバタケの経験に因るものかもしれない)との関わりが、これまた結果的にせよ、自分を輝かせるものになったという点は見過ごせない。才能あるバンドに出会い、それを「私が発掘しました」と語る、アサコの誇らしい姿。実に清々しい。



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 片手で軽く押せば倒れてしまいそうなその棒切れのような痩せた細い体で心の叫びを搾り出すように懸命に歌を唄っているその女性はCocco。沖縄県出身、31歳、シンガーソングライター。一途で繊細。感受性が鋭い人はたくさんいても、彼女のように剥き出しの感性のままでは、いまの世の中どんなに生きにくいだろうか。私たちは、いや、少なくとも自分は、心を苛めるあらゆる外敵から身を守る術を知っている。心がこれ以上傷つかないよう、それを覆うための”殻”が自動生成されるのである。忘却という名の外壁。秋葉原の駅を通るたびに思い出していたあの事件のことも、今ではすっかり忘れてしまっていた。

 Coccoはすべて自分で引き受けようとする。そこが痛々しく、物悲しい。彼女の性質に起因するものだろう、リストカットや拒食症を経験した彼女の精神衛生状態は必ずしも良いとは言えないが、祈りにも似た歌の数々は、聴く者たちのみならず、おそらく彼女自身も救っているのだと思う。巫女のようでありながらもどこか危うさが潜んでいるCocco。「大丈夫であるように」とはCoccoがMCの際に語ったことばのひとつであるが、これはむしろ是枝監督がCoccoに向けたメッセージなのではないのか。

 ハッピーエンドはすなわち思考停止、と考えていた時期が自分にあったからだろう、後半、『もののけ姫』のことを語るくだりで「バッドエンドであれば良かった」とCoccoが話す姿に大きな共感を覚えた。ハッピーエンドなら「良かったね」で終わり、そこから何の発展も建設的意見も出てこない。しかしながらバッドエンドならば人々は「では、どうすればよかった?」など、考える余地が生まれるのである。そちらのほうがよほど有意義ではないか?

 それでもCoccoは自分の子どもと一緒に『もののけ姫』を見たとき、「どうか花が咲きますように」とハッピーエンドで終わることを期待した。「この子に訪れる未来が明るいものでありますように」との祈りを込めて。きれいに咲いた花は、取りも直さず生命力の象徴である。そう、大人たちは、未来は暗い、先は無いと、そんなことを子どもたちに思わせては決してならないのだと、そう話すCoccoの心の声が聞こえてきそうな気がした。いまの世の中に子どもを産むこと自体がそもそも残酷と言われているが、冗談じゃない、とも。頭でっかちになって自己完結で終始するのではなく、こんな世の中でも明るく生きられそうな環境を、たとえミクロの範囲であっても模索していくべきではないのだろうか。言うまでも無くそれは大人の責任であり仕事であると、自らの行為を振り返り反省した。


 監督が少しも前に出ることなく撮影の対象に迫り、本音を引き出せていたように思える。手ぶれは酷いが編集は堅牢。自分のようにCoccoをそれほど知らなくとも、何か感じるところがあるだろう。


テーマ:映画感想
ジャンル:映画
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